Les artistes du festival "Les Chaises Musicales" 2014

Stacey Kent et Jim Tomlinson

© Benoit Peverelli
© Benoit Peverelli

Le critique Gilles Tordjman a écrit un jour que le Brésil n’était pas une nation, mais "une région du coeur, où tout semble sonner au diapason d’une vibration plus forte et plus juste". Voilà une phrase que Stacey Kent pourrait sans nul doute faire sienne.

A l’âge de 14 ans, la chanteuse américaine découvrait les charmes inépuisables de l’album Getz / Gilberto, rencontre historique entre le jazz et la bossa nova ; plus rien, dès lors, n’allait être comme avant. Au fil d’un parcours musical qui l’a vue arpenter librement les espaces ouverts du jazz et de la chanson, le Brésil est devenu à ses yeux plus qu’un pays : une sorte d’horizon poétique intériorisé, une terre d’élection à échelle intime, ajustée aux proportions de son âme, de son chant et de son inspiration. Qu’elle les célèbre littéralement à travers des reprises de Tom Jobim, Sergio Mendes ou Luiz Bonfá, ou qu’elle en convoque l’esprit à travers la finesse de ses interprétations, Stacey Kent n’a jamais dénoué les liens affectifs qui l’unissaient aux musiques brésiliennes. (…) C’est cette passion, faite à la fois de profondeur et de légèreté, qui imprègne son dixième album. The Changing Lights n’est pas "le disque brésilien de Stacey Kent". Il n’est pas plus un exercice de style compassé qu’une pause récréative ou une carte postale sonore. Avec la très haute complicité de son partenaire et mari, le saxophoniste, compositeur et arrangeur anglais Jim Tomlinson, Stacey Kent y déploie simplement toutes les qualités sensibles d’une musicienne pour laquelle le Brésil représente, précisément et avant tout, "une région du coeur".(…)

Le fait est qu’avec The Changing Lights, Stacey Kent gravit des échelons supplémentaires dans l’ordre de la justesse de ton et de la finesse d’évocation. Au diapason du groupe qui l’accompagne et ne cède jamais à la tentation du surlignage ou du verbiage, elle atteint de nouveaux sommets dans cet art vocal tout de calme, d’intensité et de clarté qui la distingue de tant de ses contemporains. "Je travaille toujours sur ma voix, confie-t-elle avec une désarmante humilité. J’essaie de chanter du mieux que je peux, tout simplement, car c’est mon métier et ma raison d’être. Il se trouve que je suis une personne très intense, et que je ne peux m’empêcher d’aborder la musique sous cet angle. Mais je ne le fais pas de manière outrancière ni extravertie : les vagues d’émotions, qu’elles soient de joie ou de tristesse, je les exprime calmement, car je veux servir au mieux les histoires qui les portent. Or il y a beaucoup d’histoires dans The Changing Lights : il était donc important que je délivre les mots de la meilleure des façons.” Extraits d’un texte de Richard Robert

Richard Héry

© Claire Planchat-Hery 2009
© Claire Planchat-Hery 2009

Batteur de jazz depuis plus de 20 ans, Richard Héry est devenu le partenaire de nombreux groupes, notamment Eric Chapelle Trio (1989), l’Alambic Impériale (1993), Vincent Le Quang (2002), Autrement Dit (2003), Aligot Elements (1999), Emile Sanchis (2000), le Quatuor Ebène (2005)... Compositeur et improvisateur autodidacte, son approche singulière du jazz le conduit à devenir directeur artistique du label Jazz Composite de l’agence culturelle Auvergne Musique Danse (2004) et depuis 1990, co-directeur pédagogique, avec Eric Chapelle, de stages de jazz et de musiques improvisées. Egalement membre du « Batik Soundpainting Orchestra » (selon la méthode Walter Thompson), il présente plusieurs créations au printemps 2012. Son jeu de batterie tout en finesse a séduit le Quatuor Ebène qu’il accompagne, depuis 2005, dans leur projet « Fiction », donnant naissance, en octobre 2010 à un album du même nom avec comme invités Natalie Dessay, Stacey Kent et Luz Cazal. Ce programme a déjà été joué dans de nombreuses salles et villes d’Europe (Konzerthaus auf Wien, Wigmore Hall of London, Les Folie Bergères à Paris, Berlin, Munich, Dublin, Nice …). L’aventure continue à travers une tournée aux Etats Unis en novembre 2012. Parallèlement à la batterie, il pratique de nombreuses percussions traditionnelles telles que le tabla indien, les udus et tarams (percussions en terre cuite), la clarinette basse, ainsi qu’une multitude d’instruments de sa conception. Il se passionne pour la construction d’instruments de divers matériaux, et plus particulièrement en terre cuite, avec le plasticien Jean Vincent et l’association Ecart (1998). Une quête perpétuelle de sons et d’accessoires inhabituels, ainsi qu’une recherche de techniques et de jeu très personnels donnent une dimension supplémentaire à tous les projets musicaux auxquels il participe. Ainsi, en 2002, il contribue à la scénographie sonore du Musée du Col du Béal, (sommet des Hauts de Chaumes du Forez), et en 2011 à la composition de la bande son du musée du Puy Mary dans le Cantal. Ouvert aux arts du spectacle vivant, il intègre en 2003 la Compagnie Fol a Pik, sous la direction de Christophe Egrot, avec qui, en 2007, il prépare le spectacle en solo «Chemin de sable ». Il intervient dans le Compagnie Juste pour 7 Fois (2006) en tant que musicien acoustique et inventeur de sons midi, créant un jeu réaliste entre deux danseuses et un ordinateur. Il accompagne également le comédien Philippe Malassagne, de la Compagnie Hooly Gooly, au fil de lectures publiques et de lieux insolites (Festival Par Monts et par Mots de 2008 à 2012).

Akiko Yamamoto

© Julien Mignot
© Julien Mignot

Akiko Yamamoto a débuté ses études de piano à l’âge de 4 ans à Tokyo (Japon) où elle a étudié avec le professeur Nobuko Amada. Elle a poursuivi ensuite ses études avec le Professeur Mikhail Voskresensky au Conservatoire national Tchaikovsky de Moscou en bénéficiant de bourses auprès de la Meiji-Yasuda Quality of Life Foundation, ainsi que des fondations Japan Culture Affairs et Rohm Music. A Paris, elle a reçu les conseils du pianiste Eric Le sage et Anne Queffélec.

Durant ses études, elle a remporté de nombreux prix internationaux tels que le 2e prix du 57ème Concours International de Genève (2002), le 1er prix du “Kirishima International Music Festival"(2003), le 1er prix du 14ème Concours International Robert Schumann de Zwickau (2004), et le 3ème prix du 32ème ‘Premio Vittorio Gui’ concours international musique de chambre (2009).

Depuis, Akiko Yamamoto a été invitée dans de prestigieux festivals internationaux tels que les Festspiele Mecklenburg-Vorpommern (Allemagne), Lake District Music Festival, City of London Festival (GB), La Folle Journée, La Roque d’Anthéron,Le festival de Wissembourg (France), International Piano Festival (Ukraine) etc. et a collaboré plus particulièrement avec les orchestres de la Suisse Romande, de Zwickau, et de Kyushu.

Son premier disque en collaboration avec le Quatuor Ebène (quintette de Brahms) est paru chez Virgin Classic en 2009.

Marion Tassou

© David_Ignaszewski
© David_Ignaszewski

Marion Tassou intègre la maîtrise de l'opéra de Nantes à l'age de 9 ans où elle fait la découverte du répertoire lyrique et c'est tout naturellement qu'elle continue son travail au Conservatoire National de Région de Nantes dans la classe de Maryvonne Jaffré.

Elle poursuit ses études de chant au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Lyon dans la classe d'Isabelle Germain et Fabrice Boulanger et y obtient en 2008 son prix avec la mention très bien à l'unanimité et avec les félicitations du jury.

Parallèlement, elle suit l'enseignement de personnalités musicales telles que Donatienne Michel-Dansac, Cécile de Boever et Alain Garichot ainsi que de François Leroux et Udo Reineman en classes de Maîtres.

Passionnée de l'art vocal dans sa diversité, Marion Tassou explore toutes les possibilités expressives de la voix, de la musique ancienne au répertoire contemporain. Elle se produit d'abord dans Il Segreto di Susanna de Wolf Ferrari (Suzanne), Le Carnaval et la Folie de Destouches (Vénus), Le Pierrot Lunaire de Schönberg, La Fiancée vendue de Bédrich Smétana (Marienka) et Die Zauberflöte (Pamina). Elle incarne par ailleurs Pauline dans La vie Parisienne à Montpellier, Blanche de La Force dans Les Dialogues des Carmélites avec l'Atelier Lyrique des Pays de Savoie, Pamina dans Die Zauberflöte au Festival de Saint Céré et en tournée en France avec la compagnie Opéra éclaté, Eurydice dans Orphée et Eurydice à l'Opéra de Limoges. Au cours de l'été 2013, on peut l'entendre dans Don Giovanni (Zerlina) au Festival de Saint Céré et dans Béatrice et Bénédict (Héro) au Festival Berlioz à La Côte Saint André, sous la direction de François-Xavier Roth.

En 2013/14, Marion Tassou est membre de l'Académie de l'Opéra Comique à Paris. En janvier 2014, dans Lakmé de Léo Delibes qui remporte un succès triomphant à l’Opéra Comique de Paris, elle interprète le rôle d’Hélène et est remarquée par la presse, en particulier Le Figaro et Le Monde.

Shani Diluka

© Liliroze
© Liliroze

« Révélation », « profondeur sonore », « virtuosité ailée », sont autant de termes que l’on peut lire à propos de cette pianiste « hors norme » (source Diapason-Classica-Figaro).

Entre ses deux cultures, occidentale et orientale, Shani Diluka mène une carrière internationale, défendant un répertoire vaste mais dans la transmission et l’exigence des grands penseurs de la musique (de Schnabel à Kempff dont la critique lui fait régulièrement référence dans son jeu).

Ayant comme partenaires privilégiés Valentin Erben violoncelliste mythique du quatuor Alban Berg, Natalie Dessay avec laquelle elle collabore régulièrement ou le quatuor Ebène, Shani joue également en concerto sous la baguette de chefs tels Lawrence Foster, Vladimir Fedosseïev, Gabor Takacs, Ludovic Morlot, Eivind Gullberg Jensen, Kwame Ryan ou Andrew Menze…

À l’écoute de son temps, elle travaille auprès de grands compositeurs d’aujourd’hui : Kurtag, Rhim ou Mantovani dont elle a créé une oeuvre. Soucieuse du jeune public, elle grave un livre-disque Chopin et, et L’Histoire de Babar avec Natalie Dessay, tous deux aux Éditions Didier Jeunesse-Hachette livre et recevant le coup de coeur Charles Cros. Elle apparaît aux victoires de la musique et sur l’émission « Boite à musique » de J.F.Zygel dont est sorti le DVD.

Ses enregistrements de Beethoven, Mendelssohn et Grieg recueillent de multiples récompenses (Choc de la musique, RTL d’Or, Choix d’Arte, de Gramophone, de Mezzo, Vogue Japon, etc.). Son enregistrement des concertos de Beethoven n°1 & n°2 a reçu un accueil unanime de la critique internationale (Gramophone, Fanfare USA, Diapason, Musikzen, Arena Award Japon…). Son dernier album « Road 66 », panorama de la musique américaine pour piano du XXème siècle a connu un grand succès, et est notamment le disque officiel de la Folle Journée de Nantes 2014.

Stéphane Logerot

© Vincent Catala
© Vincent Catala

 

Stéphane Logerot est issu d’une famille de contrebassistes renommés. Il couronne ses études avec un Premier Prix de contrebasse à l’unanimité au Conservatoire National Supérieur Musique dans la classe de Jean-Marc Rollez. Il étudie ensuite la composition à l’image, l’orchestration ainsi que l’harmonie avec David Angel (Universal Studio). Par la suite, Stéphane Logerot va mener une carrière de premier plan, tout en suivant des genres musicaux très variés, comme instrumentiste ainsi que comme compositeur.

Chambriste recherché, il est le partenaire d'un tel nombre de solistes français qu'on ne pourrait tous les citer sans risquer d'en oublier, des quatuors Borodine, Ebène, Fine Arts,Modigliani, ainsi que du trio Wanderer. Pour des moments d’exception, il partage la musique avec des artistes tels que Quincy Jones, Winton Marsalis, Fazil Say, Daniel Hope, Yuri Bashmet, Gary Burton, David Finckle, Wu Ann ou encore Pablo Ziegler.

Il est régulièrement invité dans les festivals Européens et fin 2014, il se produira à New-York au sein de la prestigieuse CMS du Lincoln center. Avec une collaboration de plus de 250 concerts en 10 ans, Stéphane parcourt le monde avec Richard Galliano pour jouer en Sextet et Septet dans les festivals de jazz ou classique les plus réputés.

Il fut super-soliste de l'orchestre Lamoureux pendant ses études au CNSM, mais surtout, afin de pouvoir jouer très régulièrement sous la direction de chefs prestigieux tels que Kurt Masur, Bernard Haitink, Riccardo Muti, Sir Colin Davis, Seiji Ozawa ou encore Daniele Gatti, il intègre les rangs de l’Orchestre National de France en 1994. Son sens du partage l'incite à enseigner l’improvisation et la contrebasse, ce qu’il fait à Paris depuis plus de quinze années, au conservatoire du Xème arrondissement.

Directeur musical et arrangeur du spectacle «La FrenchTouch», il compose aussi la musique de plusieurs documentaires ainsi que du long métrage « Un Dimanche à Paris » (A. Sarde/ Canal Plus).

Enfin, c’est en créant « Quai N°5 », groupe dont il est le leader, que Stéphane Logerot va pouvoir réaliser son rêve : mélanger toutes les formes musicales qui le passionnent! En offrant à cette formation ses compositions originales inspirées d’oeuvres du répertoire, il crée une véritable passerelle entre la musique classique et les musiques modernes. Le succès de Quai N°5 auprès d’un